t ô n i c a
cinema e tvArquivo para Dezembro, 2007
Forman-lidades que emocionam
Acho Milos Formam dos homens do cinema mais subestimado da história. Passa ao largo nas referências cinéfilas. Na lista de 100 Filmes Essenciais da revista Bravo, o seu O Estranho no Ninho (1975) só aparece na 74º e o genial Amadeus (84) é totalmente esquecido.
Mas o público lembra bem de sua filmografia, talvez porque sua grande característica seja a de um diretor de formalidades que só faz questão de duas coisas, ao filmar: ele acredita em grandes interpretações e enredos inesperados. Estranho no Ninho, por conta disso, é o 8º filme mais bem avaliado do universo infinito do IMDb; Amadeus é 83º. E não tem como escapar da conclusão de que esse tipo de classificação mistura o estilo formal, com a superação criativa. Diz-se que o espectador procura sempre uma boa história, antes de mais nada, menos afeito a estética, cara aos estudiosos.
Mas não é só isso: a grande qualidade de Forman está ligada ao seu senso de humor. O checo circula bem nos limites do bom gosto, mesmo diante de uma tortura da inquisição católica. Seu novo filme, As Sombras de Goya, não poupa ninguém das ironias, com a Igreja em destaque.
A cinebiografia fica um grau abaixo de sua obra capital, Amadeus, mas não perde feio. Sombras de Goya tem um grande ator, tal como F. Murray Abraham, que encarnou Antônio Salieri, um antagonista que rouba a cena, na adaptação sobre o gênio da música. No filme recente, o one-man-show da vez é Javier Bardem, na, que ouso dizer, melhor interpretação do ano – sem que eu tenha visto, ainda, seu outro arrombo de 2007, em No Country for Old Men, dos irmãos Coen.
Bardem é superlativo, porque está um andar acima, na comparação com ídolos que buscam cineastas de respeito, na tentativa de prêmios e prestígio da crítica (nessa ordem). Em Goya, também como antagonista, o espanhol tem a fala de um monge secular e faz parecer só isso, sem qualquer sotaque moderno ou trejeitos. Simples e direto, dentro da proposta de Forman.
As Sombras de Goya (Goya’s Ghosts)
Sem palavras:■■■■■■■■■□
Ang Lee sustenta excelência
Ang Lee está de volta, com Lust, Caution, mostrando que alcançou mesmo a maioridade e tem quem diga que ele se consolida como novo gênio do cinema.
Não há mais como ficar inerte a sua cinematografia. O cineasta de origem taiwanês foi bi-campeão no Festival de Veneza, neste ano, após ter vencido 2005, com Brokeback Mountain. Em Lust, Caution, Lee sublinha sua aptidão para direção de atores, na construção de personagens bem definidos, totalmente entregues, e pega firme na psicologia sexual.
O filme falado em mandarim questiona os limites artísticos do sexo explícito e segura o bom gosto de cenas fortes e caras à indústria. Por isso, nos EUA, levou a tarja de proibido para menores de 17 anos. Por aqui, essas polêmicas perderam o sentido, desde a cena da manteiga de O Último Tango em Paris, no final dos anos 70.
Acho incrível como só os norte-americanos continuam castrados, no mundo civilizado. São tolhidos de qualquer manifestação, nesse sentido, bem ao contrário do cinema europeu e sulamericano e, agora, fica atrás também da pulsação asiática.
Talvez a regra não seja religiosa e somente uma imposição da indústria. Porque no Brasil, tal cenas, nem provocaram constrangimento na platéia do Festival Internacional de Cinema de Brasília.
Lust, Caution venceu o Leão de Ouro de Veneza e corre do lado de 4 Meses, 3 Semanas, 2 Dias (prêmio de Cannes) como filme do ano. São as obras mas impactantes de 2007 e disputam cabeça a cabeça o próximo Oscar de filme de língua não-inglesa.
Lust, Caution (Se, Jie)
Sem palavras:■■■■■■■■■□
Dylan nas mãos de um fashionista
I’m Not There lembra um outro Todd Haynes, uma outra meio-biografia desse mesmo cineasta, o filme Velvet Goldmine (de 1998). Talvez por isso, não fiquei com todo esse sabor de novidade, tão decantado pelos críticos. Aqui, a edição é um grande descobrimento, segundo os estudiosos, mas as sutilezas de referências a vida e obra de Bob Dylan é que surpreendem e a veia folk-moderna de Cate Blanchett e Christian Bale merecem mesmo capa de revistas descoladas.
Todd Haynes, aliás, passa essa idéia de diretor moderninho, desses que forma o pensamento após a certeza de tendências impressas nas Bazaars da vida. Falou do glam rock no momento mais “in” dessa vertente e volta com o melhor do folk, no instante que Dylan volta às paradas americanas, com um baita sucesso de crítica do disco Modern Times.
I’m Not There traz vários episódios da vida de Dylan, entrecruzados e interpretados por atores diferentes (e até a Cate Blanchett, com toda pinta de Oscar). Todd Haynes optou pela exclusão do nome do cantor lendário, mas ele está em toda parte, e só se percebe isso, se iniciado na carreira desse também poeta.
De Dylan, lembro da fixação sindicalista de meu tio, que fez parte, com orgulho raro, da esquerda festiva brasileira, dos anos 80. Talvez a condição de política decadente impediu minha aproximação com a música do gênio norte-americano, que só agora dou o valor devido. Até queria ouvir do meu tio, o que sobrou daquela idolatria…
Agora, do filme, vejo mesmo que Haynes grifou esses episódios com visuais marcantes, muito próximo mesmo do seu Velvet. O Bob de Cate é o astro alinhadíssimo, o folk chique e dado a modernismos. O personagem de Bale está envolto a uma gravação de documentário. Julianne Moore entra aqui com depoimentos ultra-realistas. A linguagem faz uma homenagem à TV. Ainda tem a porção Carnivale, com Richard Gere, tem as partes menos lisérgicas, com Heath Ledger e o garoto Marcus Carl Franklin, enfim.
O roteiro de Todd Haynes e Oren Moverman valoriza esse painel, mas que só fala ao coração, visto por entendidos em Bob Dylan, afeitos e próximos à poesia do mestre.
I’m Not There
Sem palavras:■■■■■■■■□□
Filme que se engole a seco
Não há nada com mais frescor, nas salas de cinema. Você respira o melhor do Dogma nórdico, do noir asiático, em um só filme. 4 Meses, 3 Semanas, 2 Dias tem marca de antologia e tem provocado discussões políticas.
O filme do novato Cristian Mungiu já coleciona prêmios e está só na metade do percurso até o Oscar de melhor filme em língua não-inglesa. Semana passada, venceu o quase-badalado European Film Awards, depois de desbancar mestres, com a Palma de Ouro de Cannes, no meio do ano.
4 Meses… põe lupa na polêmica do aborto, escancara as feridas de uma discussão que não devia ser religiosa, mas que também mostra uma visão humanista que só confunde. Ali, frente a frente, sem música ou edição, você vê o feto e vê a destruição da gestante. Você se percebe vítima de algo maior.
Mas o filme de Mungiu bateu forte mesmo, naquilo que ele se propoz como arte, com a discussão de pano de fundo. Você nota a mesquinharia de uma conversa de jantar, quando a personagem principal está desligada de todos a sua volta. Da mesma forma que ela passa minutos àquela mesa, com o pensamento na situação da amiga grávida, também ficamos absurtos e passamos a acreditar na heroína torta da magnífica atriz romena Anamaria Marinca. Tudo isso, em câmera estática, sem cortes, sem facilidades para o espectador.
Esse é o tipo do filme que se engole a seco, que é preciso ser difundido, obra seminal desse início de milênio, novo fôlego para o cinema da Europa Oriental. Não se sabe onde a carreira de Mungiu vai parar ou se a relevância dessa obra servirá de catapulta para essa escola, mas fico com a sensação de honestidade no ar. Acho que posso chamar isso de cinema autoral, ainda que seja num blog qualquer.
4 Meses, 3 Semanas, 2 Dias (4 luni, 3 saptamani si 2 zile)
Sem palavras:■■■■■■■■■■
“Cinema de arte” pode ser sinônimo de filme bom
A definição de “filme de Oscar” é um tanto ultrapassada e cansativa e outro tanto baseada em epopéias e adaptações literárias. Já a expressão “filme de época”, então, parece-me sinônimo de pretensão, hoje em dia. Mas ainda temos grandes cineastas que encaram esse paradóxico: o de criar, sem acertar no tom fake dos espartilhos e tamancos, da capa-e-espada e do rebuscado dos filtros de imagem.
Desejo e Reparação (Atonement), que tem estréia no Brasil programada para 15 de fevereiro e que passa no FIC de Brasília, nasce da linhagem quase enfadonha do cinema inglês, bem próxima do excesso de fleuma da filmografia de um James Ivory, no exemplo mais recente que vislumbra o chamado cinema “de arte”, outra besteira que a crítica já aboliu.
Porque sabemos que mesmo o lendário David Lean já tinha caído nas armadilhas da suntuosidade britânica. Mas sabemos também que desse cinema, o requinte foi posto à prova, com momentos do mais belo planos de filmagem e edição, como no contraste de sombra e luz de A Passagem para a Índia, dos closes mais imponentes de Peter O’Toole, em Lawrence das Arábias (pra citar obras do gênio Lean), ou mesmo nas melhores direções de atores, como no “duelo do livro”, das mais asfixiantes cenas de amor já filmadas, com Anthony Hopkins e Emma Thompson fazendo história, em Howards End (de Ivory).
Feito justiça ao arriscado cinema inglês, já terei adiantado minha leitura de Desejo e Reparação, de Joe Wright, das principais apostas do Oscar, exatamente por ser tão Lean e Ivory, no jeito de jogar pra vencer, e que tem momentos gigantes de feitura da arte, exatamente como na postura desses dois britânicos de marca maior.
O arcabolço é totalmente Oscar, pela obra ser baseada na novela de Ian McEwan, com adaptação do caríssimo Christopher Hampton, por ser “de época”, com a 2ª Guerra como pano de fundo, e com Vanessa Redgrave, em ponta.
Claro que Oscar não é sinônimo de qualidade – muito pelo contrário, o que só gera desconfiança. Só acredito em filmes que fogem a essa pretensão, mas devo admitir que o prêmio reconduz a indústria, ainda hoje, principalmente em referência ao cinema mais autoral.
De resto, Desejo e Reparação é um apelo muito melhor que o Orgulho e Preconceito, filme anterior do mesmo diretor e com a mesma atriz principal, Keira Knightley. O novo trabalho de Wright tem uma primeira parte que lembra da tensão dramática de David Lean, o que não se vê, nas cenas do front de guerra, meio Senhor dos Anéis (ou digitalizadas demais).
Mesmo com a decaída, tem-se um dos melhores momentos do cinema, em 2007. Tem-se o lado bom do cinema inglês.
Desejo e Reparação (Atonement)
Sem palavras:■■■■■■■■■□
Série sobre os filmes caça-prêmios de fim de ano
Em Brasília, Festival Internacional de Cinema (FIC), com nenhuma novidade, na comparação com as mostras de São Paulo e Rio. O bom daqui, deve mesmo entrar em circuito. E não caio fácil no lema cinéfilo de procurar sessões obscuras, só com o argumento de escolher as obras que nunca chegarão aos cinemas brasileiros. Fui nos básicos.
A começar, pelo título desse especial que terão outros posts, com minha mea culpa, por falar tão pouco de cinema, num blog especializado e pelo oportunismo de esperar a boa safra de fim de ano: Desejo e Reparação é o nome dado pelos brasileiros para Atonement, uma das grandes apostas do Oscar, a principal, segundo o L.A. Times.
Mas começo pelo filme que já está em circuito: O Assassinato de Jasse James pelo Covarde do Robert Ford. De cara, não vejo Brad Pitt como ator completo, pronto para um Leão de Ouro, como aconteceu neste ano, em Veneza. Até acho que Casey Affleck (o Robert Ford) é mais sinuoso e de estranhezas que alimentam o tom escolhido pelo diretor do filme, Andrew Dominik.
Pitt não está longe do galã, nem com barba por fazer e não consegue imprimir as sutilezas de Affleck. Mas ainda assim, temos um grande faroeste e o melhor momento da carreira dos dois atores, em filme com as inversões de valores que até já foram propostas por Clint Eastwood, desde Os Imperdoáveis, e que teve outro grande lance, com Brokeback Mountain, de Ang Lee. O Assassinato de Jasse James… está no meio desses dois fios condutores.
O Assassinato de Jasse James pelo Covard Robert Ford
Sem palavras:■■■■■■■■□□
